Por motivos técnicos, vaya por delante el dato, lo que a continuación se escribe se sitúa temporalmente antes de la ceremonia de entrega de los premios Oscar, lo cual nos otorga la libertad de centrarnos en la película que nos atañe sin necesidad de valorar su suerte en el teatrillo anual hollywoodiense.

Guillermo del Toro presenta en sociedad su esperado último trabajo, que se antoja (de) lo mejor de su personalísima filmografía y la que en nuestra opinión es la mejor cita con el cine del año.

En el escenario de la Guerra Fría llega a un laboratorio estadounidense una criatura acuática humanoide que ha sido capturada en Sudamérica (el gran Doug Jones, luciéndose nuevamente bajo kilos de maquillaje), bajo la supervisión de un despreciable sicópata (Michael Shannon, papel para el que parece haber nacido física y profesionalmente); una excelsa Sally Hawkins encarna a la trabajadora de la limpieza muda que empatiza con el sufrimiento de la citada criatura, por la que en cada secuencia va sintiendo mayor cercanía. Esta película superlativa trata con original envoltura la que en esencia es la clásica historia de dos almas solitarias que cruzan sus caminos para hacerse uno solo. Estamos pues ante un thriller sesentero, un drama con tintes racistas, también un guión de diálogos mordaces y momentos de buen humor, pero ante todo se nos presenta una historia de amor entre inadaptados de las que hacen época.

Entre la oscuridad del cuento gótico con estética marca de la casa y la más descarnada realidad americana de la época, con las pesadas losas del racismo o la homofobia en las maletas de las familias tipo que lucen sonrisas de anuncio, transcurre este cuento preciosista, esta exquisitez estilística que fotograma por fotograma merece su revisionado.

Del Toro no deja detalle por pulir, derrochando mimo y demostrando que el espectador no solo tiene en cuenta las pequeñas cosas que aportan credibilidad, sino que las agradece y las aplaude. Para acabar de moldear la perfección de esta propuesta, la producción combina con maestría una banda sonora brillante de Alexandre Desplat con los efectos de sonido, de manera que ambas cosas se complementen para enriquecer portentosamente aquello que vemos y así darle un igual protagonismo a lo que oímos. Si tuviese que quedarme con algo de esta propuesta en su conjunto, sería la manera de incluir los sonidos de la acción real dentro de la música que artísticamente coloca la guinda a este suculento pastel.

Apta para todo tipo de público adulto, incluidos los pragmáticos y los que gustan del hiperrealismo, pero altamente recomendable sobre todo para los soñadores y amantes de la cinefilia del detalle cuidado. Al igual que suele incomodarme descerrajar salvajemente una mala una película, también se me hace raro que todo lo que se me ocurra para hablar de una producción sean alabanzas, en ambos casos me invade la sensación de que se me escapa algo, pero las coas son como son. ¿Qué forma tiene pues el agua? ¡Redonda!

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Cuando Marvel/Disney estrenan, el mundo del cine deja de respirar durante unas semanas y el público pone su mirada en las muchísimas salas invadidas por el superhéroe o el supergrupo de turno. Pantera Negra (me cuesta como aficionado al cómic casi de cuna llamarlo por su nombre en inglés; qué puñetera manía de no traducir lo evidentemente traducible) no ha defraudado a sus productores y ya en su primer fin de semana de exhibición en salas comerciales ha recaudado los 200 millones de dólares que ha costado.

Pero no solo ha satisfecho expectativas comerciales, sino que la óptica del realizador Ryan Coogler (Creed: la leyenda de Rocky) sobre el primer superhéroe negro que se vio en las viñetas de la casa Marvel ha resultado bastante más que interesante y bastante más también que una cinta de acción, efectos especiales, cameos de Stan Lee o epílogos tras los créditos (por cierto, no se pierdan el segundo tras todas las letras, que en esta ocasión parece relevante…). Coogler logra sacar algo original de un género demasiado manoseado para esperanza del seguidor de ayer, hoy y espero que mañana también.

Black Panther pone en la lanzadera de Los vengadores al personaje como es habitual en estos casos de estrenos en solitario, enlaza a su vez con lo ya narrado (encaja tras los acontecimientos de Capitán América: Civil War) como acostumbra Marvel en su sofisticado entramado de estrenos anuales, y a la vez cuenta con entidad propia de sobra como para copar con orgullo la atención general por sus propios méritos.

¿Cómo sería un país africano que hubiera conservado y evolucionado sus raíces sin influencia colonizadora? ¿Cómo sería una película de tipos superpoderosos en la que sus protagonistas fueran casi en su totalidad de raza negra? ¿Cómo sería una cinta que además de estos ingredientes contuviera en el pack un extra de interés en su historia y la a priori ansiada dosis de combates, adrenalina y elementos marca de la casa para deleite del fan? Todo esto con aliño de estética colorida y preciosista africana y música de ritmo tribal con toques de hip hop está condensado en los recomendables 134 minutos de metraje de la última propuesta marvelita.

Imposible no acordarse de El rey león en algunos pasajes (clavado el del encuentro espiritual post mortem de T´Challa con su padre o el aire a lo Scar que tiene su adversario), el soberano de Wakanda (imaginario país africano ultratecnológico) tendrá que luchar por su puesto y liberar a su pueblo de la mano de hierro. ¿Les suena? Pero si Shakespeare levantase la cabeza diría que tampoco es que semejantes argumentos los haya inventado el clásico animado de Disney…

El papel protagonista está reservado para el convincente trabajo de Chadwick Boseman, y además, el reparto cuenta con Michael B. Jordan, la innecesaria aparición de Martin Freeman (agente del gobierno blanco para atraer a todo tipo de públicos) o la deliciosa locura del chalado que interpreta Andy Serkis. Pero ante todo hay que destacarlas a ellas: una propuesta reivindicativa y rompedora como esta no estaría completa si la fortaleza y el peso de la trama no estuviese en manos femeninas. Personajes relevantes y de gran fuerza como los interpretados por Lupita Nyongo, Danai Gurira o Angela Bassett se encargan de ello. Estamos pues y claramente ante una película distinta. ¡Viva la revolución!

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En estos días inciertos que vive el cine todos sabemos cuáles son las reglas del juego y dónde reside el secreto del éxito de convocatoria de una película. Los tiempos van cambiando para bien y para mal, y si se me ocurre un día empezar esta sección con el número 50, tengo por seguro que a no pocos les vendrá a la cabeza sin seguir leyendo que pretendo hablar al respetable del Grey de las narices y de todas sus sombras (con entonación ofensiva).

En realidad, siento si decepciono a alguno o alguna, estoy hablando del 50 cumpleaños del estreno de El planeta de los simios, evento que traspasó fronteras más allá del género de la ciencia-ficción, al que puso patas arriba.

En 1968 muchos no habíamos nacido, había que ser muy osado para reunir al gran público en una sala de cine sabiendo que un gran sector de la opinión iba a ser "¿pero esto qué narices es?" (aunque sólo como primera reacción, porque la cosa no fue nada mal en taquilla, puesto que recaudó seis veces más de lo que costó sólo en el mercado norteamericano).

Charlton Heston, estrella rutilante del momento, en taparrabos compartiendo plantel con un reparto transformado en monos… Y ya lo creo que lo parecían. Uno de los milagros de esta cinta es la oscarizada labor de maquillaje de John Chambers, que mantiene cinco décadas después los impresionantes efectos logrados. Nada de ordenador, oficio al viejo estilo, talento y mucha imaginación.

La historia sitúa a Heston como George Taylor, el líder de una expedición espacial de larga duración que se estrella en un planeta desconocido y extraño, dominado por primates que han evolucionado su intelecto y donde lo más parecido al ser humano es una criatura inferior incapaz de comunicarse con palabras. Cuando descubren que el astronauta sí que sabe hablar, los lugareños, que se sienten amenazados, deciden eliminarlo…

Reconociendo un cierto regusto rancio a lo "macho alfa" del protagonista, y elementos que ahora llaman la atención por su inocencia como el hecho de que los simios hablen y escriban perfecto inglés, tal cual lo conocemos, o que "juren" que algo es cierto, la idea no sólo rompió moldes, sino que el éxito de la misma dio para infinidad de secuelas y precuelas que han cambiado de siglo  llegando con muy meritorio éxito hasta nuestros días.

"Quita tus sucias patas de encima, mono asqueroso" es una de las frases que por motivos de guión y circunstancia han quedado escritos en la memoria de la cultura popular. Se trata de todo un clásico que se ha buscado un hueco en la historia del cine no sólo por ser una magnífica reflexión metafísica y coyuntural (se sitúa cronológicamente su estreno en plena Guerra Fría) sobre la condición humana, sino por tratarse de una película con altas cotas de entretenimiento y emoción; y ello además de poseer uno de los mejores finales de todos los tiempos, tan bueno que por mucho que todo el mundo  se lo sepa de memoria, por si acaso hay algún (afortunado) despistado, me resisto a contarlo.

Resulta paradójico asistir en esta obra anti bélica lo reconocidamente cómodo  que se sentía su célebre actor principal con un rifle en la mano (en una secuencia hace incluso gala de ello). Irónicas contradicciones que tiene la vida…

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Se agarra esta cinta como puede por su supervivencia en la cartelera tras varias semanas de exhibición y sufriendo los empujones de lo más novedoso, cuyo aire fresco siempre atrae más al público. Es por ello que, ahora que todavía tenemos la opción, no se debería dejar pasar la oportunidad de acercarse a ver una gran película de clásico corte político y regusto al mejor cine de esas épocas en las que participar en un proyecto de este tipo era alcanzar las máximas cotas profesionales.
En determinadas ocasiones incluso espera uno ver aparecer al Robert Redford o al Dustin Hoffman de Todos los hombres del presidente… Resulta evidente que nos topamos, hay que saber lo que uno va a ver, con un género muy, muy específico, que se hace bastante cuesta arriba para aquellos que no conecten con él: no estamos ante una excepción a esa regla, quede dicho de antemano para evitar luego que le piten los oídos a quien suscribe por haberla recomendado…

Steven Spielberg firma y produce esta historia rodada como él sabe, con un innegable talento de cineasta de los grandes, trazando con soltura y dominio prodigioso del ritmo (personalmente me sobra algún que otro posicionamiento de cámara, cuestión de gustos) un entramado intrincado y con un puntito escurridizo para el espectador que no ande suficientemente atento.
Además, no cae en esta ocasión el mítico director en la ñoñería sensibloide y aleccionadora de otras ocasiones que ha convertido en marca de la casa, hecho que se agradece especialmente en una historia como esta que se te puede ir a lo patriotero, ultra feminista, ultra reivindicativo, o cualquier otro ultra, que siempre y por definición, excede la cantidad deseable y a veces necesaria de algo.

Estados unidos, 1971

Los hechos nos trasladan al Estados Unidos de 1971, cuando el New York Times y el por aquel entonces modesto Washington Post encabezaron una durísima y valiente pugna con el equipo de gobierno del presidente Nixon en defensa de la libertad de prensa. Ambos informaron sobre el encubrimiento de secretos por parte del gobierno, que había durado cuatro décadas y cuatro presidentes estadounidenses, con información bastante comprometedora sobre la guerra en Vietnam que a los ciudadanos no les gustó en absoluto.

El reparto está encabezado, sobran las palabras, por Meryl Streep y Tom Hanks, una como propietaria del diario de Washington y el segundo como director del mismo. Ambos están a la altura de sus categorías profesionales en unos papeles que también dan la talla. Resultado: nominación al Oscar para ella, elogio generalizado para ambos.

Hay veces que esto del cine tiene poco misterio… Al posible galardón para Streep hay que añadir la merecida nominación a Mejor Película del conjunto de la obra, lo que quiere decir que al menos para Hollywood estamos ante una de las grandes citas butaqueras del año, afirmación que, por cierto y sin acostumbrarse, comparto.

Seguro que Los archivos del Pentágono aún se hace un pequeño hueco a codazos en una pequeña sala, aprovechen que luego pasa la época de vacas gordas y "comienza a hacer frío" en el cine. Winter is coming, que dirían en la tele…

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Fui a ver esta película y me tocó sentarme al lado de una señora de cierta edad (me alegro especialmente cuando me topo con jubilados cinéfilos) que había acudido al estreno con una amiga a la que le comentaba: "Hay que venir al cine, que ahora están siendo los estrenos más gordos del año, con las películas nominadas a los Oscar y todo eso, que luego nada más que ponen rollos…".

No puedo compartir la segunda parte de la afirmación, pero sin duda el cine es un buen plan, y justo estamos en época de bonanza en lo referente a la cartelera. Es verdad, sin ponernos drásticos, que luego la cosa baja un tanto…

Tres anuncios en las afueras nos transporta al sur de Estados Unidos, en la siempre cinematográfica América profunda, donde hace siete meses se ha cometido un atroz crimen sobre una muchacha cuya expeditiva madre (colosal Frances McDormand) no está dispuesta a permitir que la investigación se enfríe y las autoridades desistan.

El jefe de policía que tendrá que sufrir el carácter de esta mujer de armas tomar está estupendamente interpretado por Woody Harrelson (no se me ocurre mejor pareja protagonista para esta ambientación árida y sureña que McDormand y Harrelson, qué importante es saber seleccionar el reparto, eso que llaman hacer el casting).

Completando la terna principal, Sam Rockwell hace el papel de su carrera con un portentoso retrato de un agente medio imbécil con no pocos matices y problemas de comportamiento. Magníficamente descrita, en lo visual y lo narrativo, la ambientación "sucia y áspera" resulta idónea para esta pedrada de realidad terrible en una historia que se centra en personas muy poco extraordinarias.

Unido el trabajo de realización a los trabajos actorales en estado de gracia, solo necesitamos un elemento más para toparnos con una cinta de las que llamamos redondas, que a su vez el más importante: un buen guión. Pues bien, es precisamente el libreto de esta producción, también obra de Martin McDonagh, director de la criatura, lo mejor de la propuesta.

A cada secuencia que uno siente que sabe lo que va a acontecer, cosas de haber visto mucho cine y de que no abunde precisamente la originalidad, instantes después se ve sorprendido con un giro repentino, y sin convertirse la trama en una innecesaria montaña rusa, nos coloca ante una situación inesperada tras otra, oro puro en el mundo del cine del siglo XXI. Es eso lo que hace de esta sobresaliente película algo distinto y extraordinario, lo que le augura un muy buen recorrido.

Nominada a 7 premios de la Academia, incluidos Mejor película y los principales miembros del elenco, estamos ante una de las películas del año, si no la película del año. Habrá que ver futuros inminentes estrenos y lo que Guillermo del Toro tiene que ofrecer, el mejor argumento para las palabras de esa señora que mencionaba al comienzo de estas líneas. ¡Hay que ir al cine!

Ficha técnica

DIRECCIÓN: Martin McDonagh.

DURACIÓN: 112 min

GÉNERO: Thriller. Drama. Comedia negra

INTÉRPRETES: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Caleb Landry Jones, Lucas Hedges, Peter Dinklage, John Hawkes, Abbie Cornish, Brendan Sexton III, Samara Weaving, Kerry Condon, Nick Searcy, Lawrence Turner, Amanda Warren, Michael Aaron Milligan, William J. Harrison, Sandy Martin, Christopher Berry, Zeljko Ivanek, Alejandro Barrios, Jason Redford.

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Den rienda suelta a la fantasía e imaginen que por arte de magia, la cinta de tortas de Jackie Chan y el thriller político de Pierce Brosnan que el macaco ha seleccionado se mezclan dentro del aparato y dan lugar a un híbrido.

Disparatado, ¿verdad? Pues justo eso es lo que parece haber ocurrido con El extranjero, una enorme excentricidad con toques de acción y también de thriller que une en el reparto justamente a Chan y Brosnan. Me viene a los dedos teclear aquello de que "mezclas más raras que esta se han hecho", pero en realidad no se me ocurre ninguna…

El caso es que el director Martin Campbell, que cuenta en su repertorio con producciones tan desiguales como La máscara del Zorro, La leyenda del Zorro, Goldeneye (en la que ya trabajó con Pierce Brosnan), Casino Royale o (¡urghh!) Linterna Verde, coloca a estos dos veteranos actores, Chan interpreta a un padre roto por el asesinato de su hija a manos de una nueva facción del IRA, Brosnan a un antiguo miembro de dicha organización retirado de la lucha y con boyante carrera política, enfrentados en la investigación del detestable acontecimiento.

Jackie Chan ya tiene una edad y consciente de ello se dedica mucho más a la interpretación (con decentes resultados) que a los brincos y las explosiones, aunque un poco de esto también habrá, porque no se conserva mal y tras una vida en el género de acción, el que tuvo retuvo…

Brosnan está para menos trotes todavía, y encarna con solvencia, tablas y poca dificultad al político irlandés con claroscuros al que el chino pegajoso le está haciendo la vida imposible al más puro estilo "Rambo".

Me hago perfectamente cargo de que a priori, si nos hablan de Rambo, de la mezcolanza que reflejan los protagonistas o lo convencional que en el fondo parece (y de hecho es) la historia, uno pueda pensar que podría pasarlo mejor dándose martillazos en los pulgares de los pies que viendo esta película, pero reconozco que tiene momentos, sobre todo al principio, de buen divertimento e intriga, que poco a poco se va convirtiendo en placer culpable que nos insta a acabarla con interés.

Absurdamente ambiciosa, disparatada y a la vez interesante si se hace un ejercicio de abstracción y para creerse la premisa; igual el caótico mono borracho ha tenido el tino de derribar prejuicios que en cualquier otra circunstancia ni se nos habría pasado por la cabeza.

La cuestión, y ya hablando más en serio, es cómo estarán estos dos actores de desesperados para embarcarse en semejantes guiones. Supongo que la clave en el caso de Brosnan es la amistad con el director y en el caso de Chan es que él mismo produce la cinta. Distintos intereses con el mismo fin de relanzar carreras algo estancadas: como la vida misma…

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En una ciudad pequeña como Ceuta, donde una película dura poco en cartel por la falta de público masivo, donde tampoco hay demasiada cultura de cine español, aparece el elemento Perfectos desconocidos, la cinta de Álex de la Iglesia que aguanta contra todo pronóstico como una campeona con buena afluencia del respetable. ¿Cuál es el secreto? Tenía que descubrirlo…
El conocido y controvertido realizador se pone esta vez al mando de un proyecto que no es suyo, un encargo que le permite dar su toque ácido y divertido sin lastrar al resultado final con el habitual despiporre desatinado que De la Iglesia suele incluir en sus demenciales desenlaces. Inesperadamente, parece ser que el corsé le ha sentado bien al artista y también a su obra.
La tremenda situación que nos ofrece esta historia ocurre al abrigo de una misteriosa superluna con eclipse incluido, incomparable vista desde el balcón del ático en el que se reúne para cenar un grupo de parejas amigas de toda la vida.

Un juego peligroso

Los integrantes de dicha reunión, craso error siempre, deciden jugar (con fuego) al inocente juego de dejar los móviles encima de la mesa y compartir con los demás cualquier llamada o mensaje entrante. Se evidencia pues el desastre sin solución, ante la sospecha de tener oscuros secretos que sobrevuela a quien se eche atrás. Y claro, todos tienen (¿tenemos?) secretos,
más o menos oscuros, y la circunstancia da para un buen puñado de situaciones que no por esperadas le restan ni un ápice para convertirse del todo en desternillantes. Cómo nos hace reír el apuro social ajeno…
El flamante reparto coral está formado por algunos rostros de enjundia y buena relación con la comedia como los de Belén Rueda (correcta siempre), Eduardo Noriega (al que le falta cuarto y mitad de naturalidad cuando se ríe), Eduard Fernández (un lujo), Dafne Fernández, Pepón Nieto o Ernesto Alterio (que tiene perfectamente interiorizado el papel de hombre mezquino metido en problemas que le superan). En general, gran labor interpretativa.
Por supuesto, los personajes acabarán descubriéndose como una panda de cabrones de tomo y lomo que, ya sea por influencia lunar (lo peor de la historia es el extraño influjo místico, que no convence nada), por naturaleza humana o por simple aburrimiento ante la rutina, muestran sin querer algunas de las miserias que tenían bien guardadas bajo siete llaves. Ya saben, que tire la primera piedra…
¿Dónde reside pues el secreto del éxito de esta peripecia carente de originalidad (se trata de por sí de un remake de una cinta italiana de 2016)? Pues en que a veces es tan sencillo como sumar uno más uno: es muy, muy divertida (hacía bastante que no me reía en el cine, soy de risa difícil), está bien rodada e interpretada y saca lo más perverso y maquiavélico de cualquiera. No hace falta más.

Dirección: Álex de la Iglesia.
País: España.
Duración: 96 min.
Género: comedia negra.
Intérpretes: Belén Rueda, Eduard Fernández, Ernesto Alterio, Juana Acosta, Eduardo Noriega, Dafne Fernández, Pepón Nieto, Beatriz Olivares. Guión: Jorge Guerricaechevarría, Álex de la Iglesia (Original: Paolo Genovese, Filippo Bologna, Paolo Costella, Paola Mammini, Rolando Ravello).
Música: Víctor Reyes. Fotografía: Ángel Amorós.
Estreno en España: 1 de Diciembre 2017.
Puntuación: 7

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La definición de película navideña hoy en día ha ampliado su abanico bastante más allá de la ambientación propia de dicha época del año. Con tantos canales haciéndose la competencia y tanta oferta, no hay otro remedio. En el saco se meten también aquellas cintas de contenido amable (de aquel llamado familiar) cuyo estreno queda alejado en el tiempo pero que en estas fechas señaladas a uno le asoma la sonrisa cuando ve su reposición en la pantalla del televisor. Jumanji es un claro ejemplo de ello, y el inolvidable Robin Williams el ideal de actor de cine "navideño", o al menos de parrilla navideña.
Este año, además, "casualidades del destino", el universo de Jumanji, ese juego peligroso que lleva a los protagonistas a arriesgar la vida con peligros selváticos, también puede ser revisado en el cine de la mano de la adaptación del realizador Jake Kasdan, recurrente creador de cine "de humor gamberro pero blanco".

No logrará esta bienintencionada propuesta cotas de popularidad de su antecesora de 1995

No logrará esta bienintencionada propuesta cotas de popularidad de su antecesora de 1995 (nuevamente nos ponemos en pie ante el recuerdo de Robin Williams), pero el resultado es divertido, y tanto Jack Black (siempre efectivo en este tipo de cintas, más en el hilarante papel de "chica" que le toca hacer) como Dwayne Johnson, anteriormente conocido como "The Rock" (no es un gran actor, pero como Schwarzenegger en su día, ha demostrado sobradamente que sabe reírse de sí mismo, una enorme virtud), forman un buen tándem que funciona en la pantalla.
En este caso la historia se acerca a nuestra realidad temporal colocando la aventura a partir de un videojuego (a diferencia del juego de tablero de la clásica) que absorbe a los protagonistas a su mundo con forma de personajes arquetípicos que tendrán que sortear mil peligros y aventuras para salir de allí al más puro estilo Dragones y mazmorras (la serie de dibujos animados, claro está).
Con muy resultones efectos visuales, la producción fructifica en un producto de digestión sencilla que no niega sus orígenes, con algún guiño/homenaje entrañable incluido. Respeta la esencia aportando novedad, con humor algo de pincel gordo pero efectivo en muchos momentos, y se antoja perfecta para ver acompañado por alguien de cualquier edad, que es justamente la intención de aquellos que idearon este embolado peligroso de desempolvar algo que tuvo mucho éxito en su momento.
Puede ser pues que las fechas me pillen tontorrón, puede ser que los títulos acompañantes en la cartelera la hagan el tuerto en el país de los ciegos, puede que en otro momento del año no me reconozca recomendándola, pero, qué narices, no es mala elección para unas risas mientras se echa atrás en la memoria que a más de uno le llegará incluso para saber dónde y cómo andaba por aquellos mediados años noventa, cuando se estrenó la primera…

Puntuación: 6

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Dirección: Harold Ramis. País: USA. Género: comedia romántica. Duración: 101 min. Título original: Groundhog Day. Año: 1993. Intérpretes: Bill Murray, Andie MacDowell, Chris Elliott, Stephen Tobolowsky, Angela Paton, Rick Overton, Brian Doyle-Murray, Marita Geraghty, Rick Ducommun, Harold Ramis, Rod Sell, Michael Shannon, Peggy Roeder, Les Podewell, Robin Duke. Guión: Danny Rubin, Harold Ramis (Historia: Danny Rubin). Música: George Fenton. Fotografía: John Bailey.

Debe de ser por su carácter amable (sin dosis extra de edulcorante, lo cual se agradece) que, sin estar ambientada en la navidad, Atrapado en el tiempo es una película recurrente de estas fechas; y porque no viene nunca mal un poco de buen humor sano, les recomiendo esta pequeña pero famosa joya de principios de los noventa que ha ido subiendo peldaños en su valoración cada década que transcurre desde su estreno. Ya convertida en clásico imprescindible, en su momento fue tildada de “menor y olvidable” (estos críticos, qué sabrán de cine…). Víctima del a veces incomprensible criterio de poner un título distinto al original en español, esta cinta es conocida en el resto del mundo, coloquialmente también en España, con el certero nombre de El día de la marmota.

La historia, como ya sabrán, cuenta como el hombre del tiempo de una cadena local de televisión (un delirante Bill Murray en plena forma, que no es poca cosa) viaja como cada año a Punxstawnwey, a cubrir la información del allí tradicional evento del Día de la Marmota; en el viaje de regreso se topan él y su equipo, cámara (Chris Elliott) y realizadora (Andie MacDowell), con una enorme tormenta que les obliga a volver al pueblo. El resto, aunque no hayan visto la película, ya lo conocen también: repetir una y otra vez el mismo día hasta la redención del particular “grinch” que interpreta Murray, que se muestra como un cínico irredento y miserable incapaz de ser feliz y de conseguir a “la chica”, una radiante McDowell cuya personalidad amable y soñadora es antagonista a la del personaje principal.

Como bien sabrán, una de las pocas claves del éxito de la comedia romántica es que tenga gracia, de ahí lo de comedia, que el espectador empatice con la pareja, fruto de la química actoral, y un buen guión. La propuesta muestra un resultado redondo, porque tiene las tres cosas. El humor, garantizado de antemano (Bill Murray es un valor seguro). El imperecedero guión hace virtud de la sencillez narrativa para contar algo más complejo de lo que parece, siempre desde la inteligencia. Y finalmente un magnetismo entre protagonistas que a priori no le pegaban a nadie; ambos nos hacen sin embargo olvidar dicho prejuicio desde el primer segundo, porque son dos grandes artistas que explotan sus fortalezas interpretativas a la perfección.

Para la retina nos quedan momentos como el de la marmota conduciendo, el de Phil y el puñetazo al hombre de seguros, el conciertazo de piano o las “creativas” maneras de cometer suicidio. En realidad, todo el metraje está plagado de escenas favoritas para alguien y podría pasarme un rato enumerándolas. ¿Queda suficientemente claro que estamos ante un ejemplo de recomendable diversión subvalorada en su momento? No se la pierdan si aún no le han dado una oportunidad alguna de las mil veces que la emiten por motivos festivos. No se apuren, volverán a ponerla, es el fundamento del argumento de Atrapado en el tiempo: siempre estás a tiempo de rectificar los errores si tienes voluntad de hacerlo…

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Y el mundo se paraliza cuando la saga Star Wars estrena algo nuevo. En esta ocasión llega el episodio 8, tras muchos años en los que los fans vivieron con el consuelo de revisionar los títulos clásicos.
Desde que la maquinaria mercantil se volvió a poner en marcha (más aún con “tito Disney” detrás de la franquicia), algo que se convierte en un evento planetario, que diría aquella, invadiendo no solo las pantallas de cine, sino las cartas de Sus Majestades de Oriente.
Los últimos Jedi viene con la intención de revitalizar el espíritu políticamente activo y rebelde de la historia, eso sí, sin cambiar un ápice los patrones.
Ello nos deja la sensación de pasarlo realmente bien y a la vez de que lo estamos haciendo por asistir nuevamente a la misma historia que ya se nos ha contado una y otra vez: luz, oscuridad, rebeldes acorralados que deben reagruparse para resurgir de las cenizas.
Algún guiño hacia aquellos de origen más humilde (ya lo entenderán) y el escenario de una Las Vegas de otro planeta donde se venden armas tanto a "buenos" como a "malos" le dan un ligero toque del siglo XXI.

Star Wars episodio 8: ¿decepción?

Con visible respeto, la nueva entrega de la saga centra la atención en los últimos coletazos aventureros de leyendas como Luke Skywalker y Leia Organa, además de los droides clásicos, para que hagan de nexo con las nuevas generaciones de jovencitos que están destinados a ocupar sus puestos en la franquicia, obteniendo así el ansiado (y rentable) futuro continuista.
Así las cosas, esta película dejará con el cuerpo un poco raro a los seguidores veteranos, que se irán oliendo el "plan renove", aunque pueden apuntarse al carro y no abandonar el barco, porque a fin de cuentas se trata de lo mismo con caras nuevas.

Star Wars episodio 8 dejará con el cuerpo un poco raro a los seguidores veteranos

A los "starwarseros" de nuevo cuño, sin embargo, les gustará casi empezar de cero e identificarse con los personajes que están destinados a cortar el bacalao en un futuro casi inmediato. Ley de vida, supongo.
Yo me declaro desde hoy, eso sí, simpatizante oficial del denominado "sucesor de Darth Vader", que lo que ansía es que todos los bandos se vayan a esparragar y comenzar, por supuesto bajo su mando, de cero. Poco futuro le auguro sin embargo a semejante osadía. Nuevamente, ley de vida…
Algún que otro cameo o aparición inesperada y un entorno muy poderoso en lo referente a los efectos digitales (los mejores y mejor pagados no defraudan) harán de la cita con los personajes que creó George Lucas nuevamente un espectáculo difícil de igualar.
Cabe resaltar que en este ejercicio nostálgico, lógico e incluso necesario (lagrimilla) de dejar el testigo a los que pisan con más energía, el único que parece resistir el paso del tiempo es el ya gigante John Williams (este caballero sí que es leyenda), que vuelve a hacer con la banda sonora un trabajo brillante y cargado de reconocibles matices. ¡Que la Fuerza le acompañe mucho tiempo!, que será bueno para el espectador.

Crítica | Star Wars: Los últimos de Jedi. https://t.co/lkmW9ayLSd pic.twitter.com/lZAPL3O32x

— El Faro de Ceuta (@ElFarodeCeuta) 18 de diciembre de 2017

Ficha técnica

Dirección: Rian Johnson
Duración: 150 min
País: USA
Género: Ciencia ficción. Fantástico. Aventuras.
Intérpretes: Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Oscar Isaac, Mark Hamill, Carrie Fisher, Domhnall Gleeson, Benicio del Toro, Laura Dern, Gwendoline Christie, Kelly Marie Tran, Lupita Nyong'o, Anthony Daniels, Andy Serkis, Warwick Davis. (Chicharrón).
Guión: Rian Johnson, basada en los personajes de George Lucas.
Música: John Williams.

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