Artículos escritos por Juan Carrasco de las Heras en El Faro de Ceuta

Amo de llaves

El Faro — Mon, 18 Nov 2024 03:25:44 +0000

No quisiera yo aburrir al respetable parándome demasiado en explicar de nuevo con detalle aquello de Sony y Marvel, que puede llegar a ser confuso para profanos en el mundillo. El asunto, y resumiendo, es que la primera compañía tiene por contrato los derechos cedidos del universo Spider-Man (antes de que Disney comprase la multinacional del cómic), y como no son idiotas, aunque más mal que bien, está explotando el filón hasta que Marvel recupere sus derechos al completo.
Así las cosas, Sony ha ha ido contando y recontando, uuuuna y otra vez, las andanzas del trepamuros, uno de los baluartes del sello dada su popularidad, y de sus páginas sale este spin-off, el también popular archivillano simbionte que con esta lleva ya tres entregas de despiporre, excesos y evidencia de falta de propuesta real como vía para el espectáculo visual, este sí, de diplomados con buena nota en cine de superhéroes.
En esta ocasión, Kelly Marcel, guionista de la trilogía (también de esta tercera entrega), parece haberse dado cuenta de que no se ha matado a trabajar precisamente, y ha optado por justificar el a buen seguro sueldazo, porque también es productora, encargándose de dirigir la película; ¿para qué contratar a alguien de fuera si tienes al “artista” dentro de casa?
Y para esta oda a un subgénero que se siente más que fatigado, la cinta, por fortuna, vuelve a contar para su papel protagonista con Tom Hardy, que tiene una sorprendente facilidad para la comedia y se antoja lo más potable del descarrilamiento general de un personaje que comenzó sus andanzas en el cine (y en el cómic) dando miedito al personal y ha acabado cantando y bailando. Como lo leen. Eso sí, la particular relación de amor/odio, enemistad/camaradería del humano con el alien huésped, sigue teniendo su gracia, en parte debido a la mencionada capacidad de Hardy para abstraerse de lo absurdo del contexto.
Y hablando de contexto, de contenido, siendo muy generosos con el término, la historia nos sitúa esta vez a la extraña pareja en el punto de mira de las autoridades, claro está, como lo dejaron en la anterior entrega, pero este “último baile” (¿lo será de verdad?), aporta una vuelta de tuerca; también hay un tiparraco megacósmico que puede acabar con el universo conocido y también el inventado, que para desatarse sólo tiene que escapar de vaya usted a saber dónde (no es que la explicación sea muy compleja, sino que por intrascendente no se le hace demasiado caso), y manda a unos terribles bichos salidos de vaya usted a saber dónde a conseguir esa alegórica “llave”, que posee precisamente el binomio Eddie Brock-Venom, por vaya usted a saber qué motivo. El caso es que todo esto, y poco más, sea el pretexto del despiporre, las escenas espectaculares de acción, los gags cómicos y socarrones, del pim pam pum, y de hora y media aproximada de entretenimiento para poco exigentes a caballo entre lo grotesco y el placer culpable. Las cartas sobre la mesa, que la propuesta, sólo hay que ver el trailer, honesta es y no engaña a nadie. Ustedes mismos…

Puntuación: 4

Ficha

Dirección: Kelly Marcel.
Año: 2024. País: USA.
Duración: 109 min.
Título original: Venom: The Last Dance.
Género: Fantástico. Acción. Comedia. Comedia negra. Extraterrestres. Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Secuela.
Intérpretes: Tom Hardy, Chiwetel Ejiofor, Juno Temple, Rhys Ifans, Peggy Lu , Alanna Ubach, Stephen Graham, Cristo Fernández, Clark Backo, Hala Finley, Brooke Carter, Ivo Nandi, Otis Winston, Dash McCloud.
Guión: Kelly Marcel. Historia: Tom Hardy, Kelly Marcel, basada en el cómic: Todd McFarlane, David Michelinie.
Música: Dan Deacon.
Fotografía: Fabian Wagner.
Productora: Marvel Entertainment, Arad Productions, Columbia Pictures, Hutch Parker Entertainment, Matt Tolmach Productions, Pascal Pictures.
Distribuidora: Sony Pictures Releasing.
Estreno en España: 25 octubre 2024.
corleonne76@yahoo.es

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Thriller de autor

El Faro — Mon, 11 Nov 2024 03:20:19 +0000

Conforme uno va cumpliendo años, tiende a desviar su atención a otras temáticas y se aleja del cine adrenalínico y de acción a raudales que viene a aportar menos sensación de satisfacción delante de una pantalla, por grande que esta sea. No obstante, no estamos ante cualquier proyecto igual a tantos ni ante un compendio de explosiones o tiros por dar mero espectáculo pirotécnico. Daniel Carparsoro, auténtico protagonista de la obra, no es un autor cualquiera, sino uno de los mayores expertos en thriller del panorama cinematográfico, traspasando con esta afirmación cualquier frontera ibérica o europea.
Asalto al Banco Central es uno más de sus atractivos trabajos con tanto sentido del entretenimiento como solidez en su construcción, es una prueba de que el thriller de acción puede atrapar de principio a fin hasta a los más agnósticos del género. Sus 5 capítulos de aproximadamente 40 minutos vuelan como hace mucho que a un servidor no le ocurría con una serie. Por mucho que te guste degustar a pequeños sorbos, puede perfectamente ocurrirte que sin darte cuenta, cuando vayas a mirar el reloj, ya vayas de una sentada por el último episodio; y esto es así no sólo por lo agresiva que suele ser Netflix, productora de la criatura, con el transcurso de un episodio a otro sin dejar respirar, sino porque realmente cuesta poco decidirse por ver qué ocurre a continuación de una historia trepidante y de ritmo ágil que, sin embargo, nunca cae en la torpeza de atrompiconarse.
Calparsoro ubica la historia, basada en hechos reales, por cierto, en la Barcelona de 1981, con la democracia en pañales y aún con la resaca del intento golpista al Congreso de los Diputados. Once hombres encapuchados entran en la sede del Banco Central, con la osadía de intentar robar más de 800 millones de las antiguas pesetas, con más de 200 rehenes dentro de la sede en el momento del asalto. Pero la trama va más allá, y hasta aquí llega la información si queremos evitar spoilers, cuando además del botín, los captores exigen entre las condiciones la liberación de Tejero y de otros tres responsables del 23F. Casi nada.
De ahí en adelante, la acción es tan intrigante como frenética, a lo que las convincentes interpretaciones (especialmente resaltables las de los periodistas, María Pedraza, Hovik Keuchkerian, y de Miguel Herrán, que pone cara y empaque al papel de líder del grupo de asaltantes) y una ambientación extremadamente cuidada suman para lograr un producto final más que atractivo.
Heredera en otro tiempo y lugar de la eterna La casa de papel, se trata de bastante más en forma que de una película de atracos. Posee en realidad el fondo de un thriller político y podemos afirmar que estamos ante una de las mejores series del año en una apuesta adictiva que demuestra que el dinero bien invertido en elementos de calidad, está mejor invertido.

La ficha

Dirección: Daniel Calparsoro.
Año: 2024.
País: España.
Duración: 40 min.
Género: Serie de TV. Thriller. Basado en hechos reales. Robos & Atracos. Años 80. Miniserie de TV.
Intérpretes: Miguel Herrán, María Pedraza, Hovik Keuchkerian, Isak Férriz, Chemi Hitos, Pablo Béjar, Pablo Vázquez, Gerard Torres, Laura Barceló, Juan José Ballesta.
Guion: Patxi Amezcua. Música: Carlos Jean.
Fotografía: Tommie Ferreras.
Productora: Brutal Media.
Distribuidora: Netflix.
Estreno en España: 8 noviembre de 2024.

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Se busca Príncipe

El Faro — Mon, 04 Nov 2024 03:10:00 +0000

Guste o no, Disney suele convertir en noticia cada idea, cada proyecto, cada movimiento de mercado que hace, es lo que tiene el pez grande, que cuando nada provoca marejadas a su alrededor. Así las cosas, la repercusión de la película de acción real basada en el famoso príncipe Encantador (o “Charming” de toda la vida en USAlandia) está teniendo un mayúsculo seguimiento, probablemente mayor de lo que merezca.
¿Hace realmente falta una película basada en el príncipe secundario del popular cuento de Cenicienta? El hecho es que ni siquiera se trata dicho spin-off de una idea original, ya lo intentaron por la vía de la animación allá por 2018 con un resultado bastante malo los productores de Shrek.

El caso es que, desde hace algunos años, Disney ha polarizado esfuerzos en recontar sus clásicos animados con formato live-action. Pero además de ello, el estudio se ha propuesto expandir los universos de algunas de sus historias, poniendo el foco en algunos personajes secundarios. Cuando a tito Disney se le mete algo entre oreja y oreja, se paraliza el show business, y algunas veces incluso, sale algo decente de una, a priori, mala idea. Veremos si es el caso y el insulso personaje anacrónico logra, imagino que riéndose de sí mismo y alejándose del estereotipo políticamente incorrecto, inesperadas cotas de interés por parte del populacho que paga las entradas.

El pretendiente de Cenicienta en el clásico homónimo de Disney de 1950 tendrá para su aventura en solitario a Paul King, director también de Paddington y Wonka, con un guion a cargo de Simon Farnaby y Jon Croker.
Y, claro está, la mayor expectación está en el casting para el protagonista, que finalmente parece quedar en casa, y la multinacional cuenta con alguien muy conocido, salido directamente de la, nunca mejor dicho, poderosa ramificación de Marvel. Ni más ni menos que Thor, o más bien el actor que lo ha encarnado hasta ahora, el actor australiano Chris Hemsworth, que se encuentra en negociaciones muy avanzadas y a falta sólo de la firma.

En los últimos meses, Hemsworth está muy en la cresta de la ola sin parar de trabajar, y lo hemos visto u oído hizo en Furiosa, la precuela de Mad Max: Furia en la carretera en donde interpretó a Dementus, uno de los villanos de la película junto a Anya Taylor-Joy, o en el elenco de voces de Transformers One, la cinta animada en donde dio vida a Optimus Prime. También, próximamente protagonizará el thriller de Crime 101 con Halle Berry, Barry Keoghan y Mark Ruffalo.

Bien podría el famoso intérprete dar el perfil, siendo también cierto que empieza a tener una edad, nada que una pizca de magia y otra de imaginación no puedan solucionar (si Harrison Ford puede hacer a su edad de Han Solo o de Indiana Jones, esto es una minucia), y sus orígenes y popularidad podrían aportar al personaje más que el personaje al actor.

Primero fue Maléfica (2014), probablemente la mejor valoradas de las versiones en carne y hueso. Luego vendrían La Cenicienta, El Libro de la Selva, La Bella y la Bestia, Dumbo, Aladdín, o La Sirenita... La mayoría de ellas no consiguieron triunfar entre un público que cada vez estaba más cansado, y no hay muchos indicios de que vaya a ser diferente con un personaje que apenas tiene importancia en su propia película. Sólo se me ocurre que un enfoque parecido al del personaje de la divertida serie Érase una vez puede dotar al proyecto de la frescura necesaria para ser feliz comiendo perdices y triunfando en la gran pantalla. A la expectativa quedamos…

corleonne76@yahoo.es

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Segundas oportunidades

El Faro — Mon, 28 Oct 2024 03:20:14 +0000

Una de esas películas que se emiten en todo tipo de cadenas cada cierto tiempo, se estrenó en 1980 y un servidor pudo verla en una de esas reemisiones posteriores cuando apenas era un niño. La temática bélica trepidante, el factor nostálgico y, sobre todo, el planteamiento original me atrapó, convirtiéndola casi en un placer culpable y ubicándola pese a sus carencias, su sangre falsa, y elementos hoy desfasados, en una de mis películas favoritas de siempre.

El final de la cuenta atrás explora ese sentimiento tan humano de frustración por no poder marcha atrás y corregir errores del pasado, y plantea una historia de ciencia-ficción con dilema moral y una primera media hora altamente intrigante.

La trama nos ubica en la actualidad de la época (1979), al portaaviones USS Nimitz, un buque de guerra equipado con moderno armamento nuclear (para la época, con todo hoy lo sigue pareciendo), que realiza una misión de reconocimiento cerca de Pearl Harbour. En pleno viaje, el buque queda atrapado en una misteriosa tormenta que le transportará al año 1941, dos días antes del ataque japonés al archifamoso enclave.

El capitán del navío (Kirk Douglas, estrella de la cinta y productor de la misma) deberá decidir entre lanzar un ataque contra el inminente ataque japonés o dejar que la historia siga su curso. Entretenimiento garantizado, con aire muy ochentero y las películas de aventuras/acción que marcaban esta década, supone un escenario interesante, incluso con cabida a la reflexión, precisamente tras ese planteamiento completamente atemporal en una ambientación que en su día era la actualidad frente al pasado, y que ahora simplemente son, tanto 1979 como 1941, puntos, uno cercano y otro ya más lejano, del citado pasado de un Mundo que gira más rápido de lo que parece.

Más aire de telefilm que de cine de gran pantalla, pero con presupuesto y escenas a gran escala, esta película deja seguramente el poso de que posee ideas que podrían haber sido explotadas con mayor profundidad que el hecho de tener que plantearse si intentar cambiar los designios de la derrota ante la flota imperial japonesa (algo muy típico de un pueril planteamiento del cine norteamericano eso de darles en la ficción una vuelta a las batallas perdidas para acabar ganándolas) o dejar que las cosas ocurran sin interferencias (“El tiempo es el que es”, que era la máxima de la magnífica serie El ministerio del Tiempo).

Estamos pues ante una película que no pasó a la historia por sus cotas artísticas, ni por sus complejas ideas bien hilvanadas, pero sí por un blockbuster palomitero que el tiempo y el buen sabor de boca en el espectador ha puesto en el cajón de los clásicos imperecederos de su género. Buena opción de casi dos horas de tiempo libre no desperdiciado aún en el siglo XXI.

corleonne76@yahoo.es

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Goya de Honor 2025

El Faro — Mon, 21 Oct 2024 02:25:09 +0000

La 39 edición de los Premios Goya se celebrará el 8 de febrero en el Palacio de Congresos de Granada, no es mal sitio, y ya tenemos un nombre protagonista que se va a llevar un premio seguro: se ha conocido recientemente que la actriz Aitana Sánchez-Gijón tendrá, nunca mejor hilado, el honor de recibir el reconocimiento del cine español.

Con casi 40 años de trayectoria a sus espaldas, se trata de “una actriz seria, competente, entregada, cercana y que sabe otorgar a sus trabajos verdad, sinceridad y profundidad”, en palabras de Fernando Méndez Leite, el presidente de la Academia de Cine. Y es verdad que la trayectoria de cuatro décadas es como mínimo para tenerla en cuenta, pero también resulta llamativo, no por ello menos justo, que Sánchez-Gijón sea premiada con un Goya de Honor a toda su carrera a la edad de 55 años, cuando, como dijo Clint Eastwood con su Oscar Honorífico, y lo decía con toda la razón, “aún me queda mucho por dar al cine”. Entre sus primeras declaraciones, admitió que al principio dudó en aceptar el premio, porque se veía “demasiado joven” para un Goya de Honor. Sus palabras fueron: “se lo discutí, porque pensé que este premio es para una trayectoria más larga, para un momento más avanzado de la vida. Pero Méndez-Leite me preguntó: ‘¿Lo vas a rechazar?’. Me quedé callada y le dije: ‘No, porque lo mismo cuando tenga 70 ya no me lo quieren dar”. Sigue así la estela de Juan Mariné (2024), el director Carlos Saura (2023), el actor José Sacristán (2022) o Ángela Molina (2021), la anterior actriz en recibir este prestigioso premio.

La intérprete española fue precisamente la primera mujer presidenta de la entidad (En 1998 fue nombrada presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, sustituyendo a José Luis Borau y ocupó el cargo hasta 2000), hecho que es en sí un logro, y Aunque no ha recibido ningún Goya hasta este próximo, estuvo nominada como mejor actriz de reparto por Madres paralelas (2022, Pedro Almodóvar). Entre sus otros galardonas debemos resaltar la Concha de Plata de mejor actriz del Festival de San Sebastián por Volavérunt (1999, Bigas Luna).

Ahijada del mismísimo Rafael Alberti (sí, el poeta), su familia siempre ha estado ligada al mundo de la cultura, y esta noticia la ha pillado, valorando diferentes proyectos y sobre el escenario, con la obra de teatro La madre.

Aitana Sánchez-Gijón, además de con los citados Pedro Almodóvar y Bigas Luna, ha trabajado en películas de Fernando Fernán-Gómez, Pilar Miró, Vicente Aranda, Gonzalo Suárez, Jaime Chávarri, Imanol Uribe, Fernando Colomo, Adolfo Aristarain, Juan José Campanella, o Manuel Gómez Pereira, nombres todos, que escriben la historia del cine en español.

Recordemos de su extenso trabajo que comenzó su carrera siendo apenas una jovencita (Debutó en televisión en la serie Segunda enseñanza, de Pedro Masó, con tan sólo 16 años), de ahí que reciba el Goya de Honor a esta temprana edad, sin embargo, con una larga trayectoria profesional a sus espaldas, y que fue, entre otras muchas, La camarera del Titanic a las órdenes de Bigas Luna, precisamente el año del estreno de la famosa cinta de James Cameron, o la novia de Keanu Reeves en Un paseo por las nubes, su fallido intento por hacer las américas. Bajarse al moro, Baltasar el castrado, Boca a boca, La ley de la frontera, La regenta, o La carta esférica dan lustre a un extenso currículum que le ha valido para lograr el apelativo de grande de la cultura española y también homenajes de masas como el que recibirá sin duda el próximo día 8 con la ciudad de la Alhambra como testigo.

corleonne76@yahoo.es

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Funambulismo

El Faro — Mon, 14 Oct 2024 02:10:21 +0000

Biznaga de Oro en el festival de Málaga, esta excelsa película de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez representará a España en la (difícil) pugna por los Premios Oscar. Segundo premio deja como declaración de intenciones ya en su comienzo que no se trata de un biopic, ni tampoco de una película “sobre la leyenda de los Planetas”. El realizador gerundense, principal firmante de esta cinta (también a los mandos del guión), aplica su particular visión del cine experimental en esta cinta con aire documental que hay que consumir y digerir sin nada urgente que hacer luego, y cocinada a fuego lento.

Se centra el argumento en su génesis, en el abandono del grupo por parte de su misteriosa bajista; a partir de aquí, se invita al espectador a recorrer un espacio de tiempo cargado de dificultades y autodestrucción, vivir como funambulistas caminando sobre un alambre, algo nada distinto a los más míticos grupos musicales, como mandan los cánones, pero según la más escrupulosa realidad, y cuyo cauce desembocará en Nueva York, en la grabación de uno de los discos que más han significado en la música española.

Ambientada en el final de los años noventa, en una Granada preñada de vida y referencia cultural del momento, sus localizaciones de callejuelas y garitos resultan (y son) reales, mucho más que una ruta turística por una ciudad que supone por su belleza una gran tentación para suceder las escenas de postal, y que cualquiera que haya vivido allí podrá reconocer, con nostalgia si te encuentras fuera. A esta veracidad también contribuyen unas actuaciones inspiradísimas del reparto tan poco conocido por el gran público como cuidadosamente seleccionado.

Con perfecto acento de la zona, toda la película cuida al milímetro este detalle, uno de los personajes define el carácter “granaino” como en ebullición por dentro, a punto de acabar a besos o a puñetazos por dentro, pero con un envoltorio de impasividad que puede llevar al desespero al no autóctono. Un golpe directo al mentón, ariscos de trato, gentes que se dicen mucho más de lo que se cuentan, cuyos matices residen en aquellas cosas que hacen juntos o los silencios que comparten. Así, justamente, es la manera con la que esta atrevida propuesta cinematográfica se comporta también y se dirige al respetable. No se trata de un producto que busque la complicidad inmediata o el entretenimiento por vías convencionales, pero en cambio, resulta original (y las películas pseudodocumentales de grupos de música abundan) por su percepción y concepción, a la vez que da destellos de cine bien armado y planificado con mimo y dedicación.

En este viaje limitado con Los Planetas, el lirismo va más allá de sus canciones, aunque éstas, junto con la propia idiosincrasia granadina, forman parte del alma de la historia. Como la obra de Lorca a la que se hace referencia también en la película, altamente recomendable, pero no para ser visionada todos los días.

Seguramente el tiempo y la perspectiva, al igual que al grupo que la protagoniza, la pondrán en su sitio…

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Parque de bolas

El Faro — Mon, 07 Oct 2024 02:06:50 +0000

¿Se acuerdan de George Clooney y de Brad Pitt? Siguen siendo dos estrellas de Hollywood, y como tales quieren que se les siga viendo, aunque hace mucho tiempo que seleccionen aquello que les apetece hacer y a pesar de no encontrarse en la cresta de la ola de la fama.
Con la lanzadera de la plataforma de Apple TV+, los dos mega mediáticos actores se zambullen en su particular “parque de bolas”, en uno de esos proyectos para pasarlo bien entre amigos en los que se embarcan cíclicamente como parte del disfrute de la vida que llevan, al más puro estilo de la idea de la que partió la exitosa saga de Ocean’s eleven.
Se trata pues de una cita con el gran público de carácter casi auto subvencionada, más para echar unas risas dentro y fuera de la pantalla que otra cosa; más un “sigo estando más bueno que el jamón de bellota a pesar de los años” (verdad es que son el paradigma de aquello de “quien tuvo, retuvo…”), un “echar unas risas con los amiguetes no está reñido con el trabajo y encima a la gente le gusta”.
Y con esos mimbres, efectivos pero no abundantes, aparece el director y guionista también, Jon Watts (conocido por ser el realizador de la trilogía de Spider-Man protagonizada por Tom Holland), sin duda amigo de alguno de ellos, para favorecerles el ecosistema con una sencilla trama de enredos y acción en la que lucirse y con la que ironizar. Porque ironía tiene para llenar un saco, y uno de los elementos atractivos del guión es precisamente la chanza que los protagonistas hacen de sus edades perdiendo en persecuciones o con esos dolores de espalda que van apareciendo cuando cumples varias décadas y que denotan un fresco sentido del humor y complicidad con el respetable; no pretendiendo convertirse en Indiana Jones a los 80 años, desde una perspectiva terrenal que su estado de forma aún les permite.
La historia planta a estos dos “lobos solitarios”, estos dos “solucionadores” (Señor Lobo, Ray Donovan… los ilustres precedentes hacen de la comparación una batalla perdida), en una circunstancia extrema en la que deberán cooperar para solventar un monumental (y surrealista) apuro, hecho que ni les hace pizca de gracia, ni resulta idóneo para su seguridad.
El caso es que todo este escenario, noctámbulo y de reparto reducido donde brilla quien tiene que brillar en un duelo interpretativo que es, más que eso un mano a mano, casi de barra de bar, donde se nota la química desde el primer plano en común.
No pasará por ser más que un entretenimiento sencillo pero efectivo, y lo bueno que atesora la propuesta es que no busca mucho más que eso. Y por esa vía, lo consigue con agilidad y la sonrisa puesta.

Puntuación: 6

La ficha

Dirección: Jon Watts.
Año: 2024. País: USA.
Duración: 102 min.
Género: Acción. Comedia. thriller.
Intérpretes: George Clooney, Brad Pitt, Amy Ryan, Austin Abrams, Poorna Jagannathan, Irina Dubova, Zlatko Buric, Richard Kind.
Guión: Jon Watts.
Música: Theodore Shapiro.
Fotografía: Larkin Seiple.
Productora: Plan B Entertainment, Smoke House Pictures, Apple Studios, Apple Original Films.
Distribuidora: Apple TV+.
Estreno en España: 27 septiembre 2024.

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La dama de Hierro

El Faro — Mon, 30 Sep 2024 02:10:53 +0000

Tras hablar hace apenas dos semanas de la desaparición del gran James Earl Jones, da la incómoda sensación de tener la cita con el respetable más de necrológica que de entretenimiento audiovisual; sin embargo, las cosas vienen como vienen, especialmente la caprichosa muerte, que es la única que hace lo que le da la reverenda gana, y no por el hecho de repetir temática vamos en esta columna a obviar la malísima noticia del fallecimiento a los 89 años de Maggie Smith este pasado día 27. Realicemos con este recuerdo desde aquí el merecidísimo homenaje que su enorme figura en mundo de la interpretación merece de sobra.
Pero, para aquellos que no sepan ubicar a Margaret Natalie Smith, “Maggie Smith”, fue una actriz británica conocidísima cuya extensa carrera abarcó más de setenta años, y la convirtió en una de las actrices europeas de mayor reconocimiento en todo el mundo. Como buena actriz de la escuela británica, comenzó su carrera en las tablas del teatro Oxford Playhouse (y ya nunca abandonó el teatro, que compaginó con la pequeña y la gran pantalla) y debutó en Broadway en 1952. Por su destacado trabajo en el teatro londiense, recibió cinco premios Evening Standard. En cuanto al cine, ganó dos premios Óscar por las películas Los mejores años de Miss Brodie (1969), como actriz principal, y California Suite (1978), como actriz de reparto, siendo una de las seis actrices que han ganado el Óscar en ambas categorías. Además, es una de las 17 actrices que, a lo largo de todos estos años, ha ganado la Triple Corona, es decir, ser galardonada con los tres principales premios de interpretación en cine, televisión y teatro: Oscar, Emmy y Tony.
Pero lo que al público le hará poner cara a Maggie Smith no serán los oscars que ya quedan demasiado lejos en el tiempo, sino la popularidad de haber encarnado a dos personajes inolvidables: la profesora Minerva McGonagall en las ocho entregas de la saga de Harry Potter y también a la condesa viuda de Grantham en la popular Downton Abbey, la gran Dama de Hierro de la serie, todo un fenómeno de fans entre los que me incluyo, la salsa de la misma, el humor más mordaz y distinguido, y sin la que ésta no sería lo mismo. De hecho, el capítulo largo para la gran pantalla en el que se ponía punto y final a la historia, tenía como epicentro la desaparición de la abuela como elemento de punto de inflexión y elemento dramático cumbre. A estas alturas quien no se sepa el final de una serie más que conocida, tiempo de sobra ha tenido.
Pero Smith también fue la señorita Bowers de Muerte en el Nilo (John Guillermin, 1978), la prima Charlotte en Una habitación con vistas (James Ivory, 1985) o la Wendy envejecida de Hook, el capitán Garfio (Steven Spielberg, 1991). ¿Se acordaban de esa? Tras ese papel ya siempre hizo de persona de avanzada edad en la pantalla, como un año más tarde demostraría su papel como madre superiora en Sister Act (Paul Rudnick). También fue la condesa de Trentham en Gosford Park (Robert Altman, 2001).
Ella misma reconocía que el papel en la saga de Harry Potter le había cambiado la vida, aunque no estaba del todo segura de si había sido para bien. “Mucha gente pequeñita empezó a decirme hola. Esas películas me hicieron muy famosa, aunque no estoy muy feliz por ello. Constantemente tengo a niños pidiendo que les convierta en gato”, son palabras textuales de esta gran dama de la escena con un sentido del humor único. “No seas así de derrotista, querida. Es tan de clase media”, sentenciaba con pasmosa naturalidad su personaje de Downtown Abbey, en una de esas frases lapidarias de marca registrada y que seguramente resumen el espíritu con el que la actriz hubiese querido que recordásemos su vida para anunciar su muerte.

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El crepúsculo de los dioses

El Faro — Mon, 23 Sep 2024 02:07:53 +0000

La británica Charlie Covell, responsable de la irreverente The End of the F***ing World, responde como firmante de esta sarcástica y también a su manera irreverente serie de ocho capítulos para Netflix, que, sin ánimo de spoiler, queda bastante abierta como para una posible continuación (e historia para la misma, hay, es lo que tiene la mitología griega). El formato de la serie es el de capítulos de una hora aproximada de duración (8 en total), metraje habitual en la manera de concebir las series en el Reino Unido.
La premisa sitúa una realidad alternativa en la que se muestra a los dioses griegos en el mundo actual en lo que a temporalidad se refiere, donde se les seguiría adorando como antaño. De ellos, claro está, destaca Zeus, el rey de todos, que vive atormentado por una arruga nueva que se ha descubierto ante el espejo y que presagia la decadencia/ocaso de su mandato y despierta a la vez su peligrosa paranoia.
Narrado por un Prometeo cuya complicidad con la cámara y el espectador derribará la cuarta barrera con enormes dosis de ironía, a medida que va avanzando la trama se va descubriendo que todo está más calculado de lo que parece y que varios son los mortales que tienen algo que decir en los planes conspiratorios…
La historia posee dosis de originalidad e ironía que la hacen fresca y atractiva, además de un reparto estupendo encabezado por Jeff Goldblum (Zeus) y que resulta clave en el éxito narrativo. Sin embargo, en su debe queda la irregularidad del camino trazado, cuyos altibajos de interés son bastante habituales dentro de cada uno de los capítulos, realizados todo sea dicho de paso, con una manufactura impecable y un despliegue de medios acorde con lo ambicioso del proyecto.
Se puede reconocer de entre las localizaciones habituales la Plaza de España de Sevilla (y olé), cuya grandiosidad aporta su gota de épica a esta tragedia griega, nunca mejor denominada, y entre sus puntos a favor cabe destacar que la propuesta de Netflix consta con una banda sonora que merece muchísimo la pena y a la que hay que dedicarle la atención que merece como una parte importante más del conjunto de la obra.
Mucho tiene de onírica, bastante de extravagante y bien podría haber sido gestada por Neil Gaiman, ya que le puede apreciar un aire a su querido Sandman o a Good Omens, se trata de un producto especialmente recomendado para los amantes del sentido del humor ácido-corrosivo o de los amantes de la historia griega que piensan que algunas historias ni pasan ni deben pasar de moda.
De un punto de partida más clásico que el teatro de Mérida, Kaos acaba siendo una serie sorprendentemente fresca y actual, tan oscura como divertida, sin caer en la chufa y con algún defectillo por pulir a la hora de decantarse por el tono y el nivel de seriedad con el que tratarse a sí misma, pero, desde luego, no dejará indiferente al respetable.

La ficha

Dirección: Charlie Covell (Creadora), Georgi Banks-Davies, Runyararo Mapfumo.
Año: 2024. País: Reino Unido.
Duración: 60 min.
Género: Serie de TV. Fantástico. Comedia. Drama. Mitología.
Intérpretes: Jeff Goldblum, Janet McTeer, Cliff Curtis, David Thewlis, Killian Scott, Aurora Perrineau, Misia Butler, Leila Farzad, Nabhaan Rizwan, Rakie Ayola, Stanley Townsend, Stephen Dillane.
Guión: Georgia Christou, Charlie Covell.
Música: Isabella Summers.
Fotografía: Kit Fraser, Pau Esteve Birba, Tim Sidell.
Productora: All3Media, Anthem Studios, Sister Pictures, Brightstar Films.
Distribuidora: Netflix.
Estreno en España: 29 agosto 2024.

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De negro

El Faro — Mon, 16 Sep 2024 02:10:06 +0000

Darth Vader está de luto, disculpen el humor negro, y nunca mejor dicho. El mítico villano del cine tiene más motivos que nunca para lucir ese color. El actor de doblaje que le puso la reconocible voz, en la película original de Star Wars, que se estrenó en 1977, y en sus secuelas El imperio contraataca y El retorno del Jedi. el gran James Earl Jones, falleció el pasado día 9, en Nueva York, a los 93 años.
Pero Jones, además de a Vader, también interpretó al Rey Mufasa en El rey león de Disney, y, por supuesto, tuvo una prolífica y diversa carrera a lo largo de seis décadas que fue más allá de estos inolvidables papeles, entre los que destacan títulos como Campo de sueños, Un príncipe en Nueva York o Conan el Bárbaro. El actor, no sólo era una voz, tuvo una trayectoria prodigiosa que abarca decenas de obras de teatro, casi 90 series dramáticas y episodios de cadenas de televisión y unas 120 películas.
En estos momentos nos viene a la cabeza que, a buen seguro de encontrarse entre nosotros, lamentaría la pérdida como el que más su recordado alter ego en España, el no menos grande Constantino Romero, que nos dejó trágicamente en 2013.
En su momento, Jones no quiso aparecer en los créditos de Star Wars, por considerar que su trabajo era más propio de efectos especiales, eran otros tiempos y eran otras consideraciones, y prefirió que el reconocimiento recayera en el actor tras la máscara, David Prowse. Sin embargo, fue la frase archiconocida “Yo soy tu padre” al revelarse ante Luke Skywalker, interpretado por Mark Hamill, la que trascendió al Olimpo del cine. “#QDEP papá”, acompañado de un corazón roto, escribió el lunes en sus redes sociales el propio Hamill.

"En su momento, Jones no quiso aparecer en los créditos de Star Wars"

Allá por 1965 se convirtió en uno de los primeros actores afroamericanos en un papel continuo en un drama diurno (As the World Turns) y trabajó hasta bien entrados sus 80 años, ganó dos premios Emmy, un Globo de Oro, dos premios Tony, un Grammy, la Medalla Nacional de las Artes y los Honores del Centro Kennedy. También recibió un Oscar honorario a su trayectoria profesional y por todo lo que ha aportado a la industria del cine, y un Tony especial por dicha trayectoria. En 2022, un teatro de Broadway fue rebautizado en su honor.
Cuando apenas era un niño, fue abandonado por sus padres y criado por su abuela, y durante años estuvo prácticamente mudo por la vergüenza de su tartamudez. Sin embargo, se sobrepuso con tesón y voluntad, y su éxito le debe mucho a esta lucha de infancia y juventud, que, paradójicamente, le sirvió para aprender a hacer frente a las adversidades y convertirse en “La voz” de un cine que hoy viste de negro Vader ante la noticia de su desaparición.
Acabamos este recuerdo al gran James Earl Jones recomendando Voces y silencios, un libro de memorias escrito en 1993 con Penelope Niven, en el que repasa de manera cercana y minuciosa algunas de las claves del éxito de alguien que trascendió por su voz y que en cambio basó su éxito en los silencios. Descanse ahora en paz.

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